OONO . exhibición es un proyecto de carácter expositivo que da cobijo y eco a obras de artistas, arquitectos y diseñadores, formadas bajo investigaciones, técnicas y metodologías diversas, con el propósito de mostrar y estimular la práctica y convergencia entre el Arte, Arquitectura, Diseño y Ciencias junto a otras disciplinas.
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2024
Es.
Casa Caballero . Colección de interpretaciones 1984-2024 Barragán + Ferrera | del 26 de abril de 2024
En las exposiciones de arquitectura –a diferencia de las exposiciones de arte en general– existe una constante: la ausencia de la arquitectura. Frente a la complicación que supone contener un edificio en otro, las exposiciones de arquitectura se componen de representaciones –a escala contenible– de un edificio, como maquetas, fotografías, dibujos o, en casos más radicales, pedazos de la edificación. En una exposición de arte, los bocetos, los apuntes o las notas suelen tener poca relevancia frente al objeto final, pero en las exposiciones de arquitectura es al revés: la atención se centra en la representación del objeto final.
Sin embargo, conviene distinguir entre dos tipos de representaciones arquitectónicas. El primer tipo son aquellas que se hacen antes de la construcción de un edificio. Los planos, por ejemplo, son una representación de lo que el edificio debería de ser. El segundo tipo son las representaciones que se hacen después de la construcción de un edificio. Los planos as built, por ejemplo, son una representación de lo que el edificio es.
El plano primero es la representación de una idea, y a la vez se convierte en el instructivo para quien vaya a construir, que a su vez hace una interpretación del plano-instructivo y la representa en una edificación. Así, la práctica arquitectónica es un proceso interpretativo, que se compone de una cadena de representaciones. En cada eslabón de esa cadena, existen muchas personas, muchas lecturas y muchas interpretaciones, que convierten a éste en un proceso de co-creación entre todas las personas que lo conforman.
La presente exposición muestra representaciones arquitectónicas de la Casa Caballero, en Gómez Palacio, Durango, proyectada por Barragán + Ferrera. Si bien la Barragán Foundation reconoce a la casa dentro de la lista de trabajos en los que participó el arquitecto tapatío, las diferencias entre los documentos constructivos y la edificación son una muestra de que la creación arquitectónica es, por naturaleza, una colección de interpretaciones.
A través de reproducciones de los planos resguardados por la fundación en Suiza, el ejercicio presente invita a los espectadores a jugar el papel de lectores, que, como explica el fenomenólogo polaco Roman Ingarden, participan en un proceso co-creativo entre ellos y el autor. Al interpretar estos planos, cada quien hace su propia recreación de la idea que Barragán y Ferrera plantearon en ellos.
Julio Cavallucci
Registro fotográfico – Christian Saucedo
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2023
Es.
Casa Caballero . Luis Barragán: La virtud ascética | del 10 al 17 de marzo de 2023
Desde las particularidades que dieron forma a los jardines de estilo morisco en el mundo occidental islámico durante el periodo comprendido entre los S. VIII y S. XV d. C., hasta las enseñanzas Zen aplicadas a los jardines en oriente —con el propósito de lograr atmósferas en donde se exponen condiciones de sencillez, que huyen del excesivo uso de elementos decorativos—, el trabajo profesional y la vida de Luis Barragán parecen haberse dirigido y sincronizado en paralelo a éstas cualidades y tránsito de tiempo.
Como ejemplo basta recordar algunas de las obras que proyectó y construyó en su ciudad natal Guadalajara, recién regresado de Europa a inicios de los años 30 del S. XX, para luego trabajar durante décadas y en proyectos arquitectónicos, urbanos y paisajísticos diversos, que lo llevaron a lograr la conclusión de conceptos de cualidades atemporales en apenas un puñado de obras acuñadas bajo su llamada Etapa Regionalista. La Capilla y el Convento de las Capuchinas Sacramentarias así como la Casa Gilardi, ambas en la Ciudad de México, son para muchos el ejemplo de esta expresión arquitectónica influenciada claramente por la obra de Giorgio de Chirico y su escuela metafísica, dejando para entonces fortalecidos los cimientos de aprendizaje formados por su amistad con Ferdinand Bac, que indudablemente influenciaron su amor por aquello que debe contener al universo entero; los jardines.
La existencia personal fue entonces para Barragán la inspiración en la búsqueda de una congruencia del pensamiento. En algún momento seguramente estos lazos gestados a través de la memoria lo llevaron a cavilar una abstracción profunda, empatizando con el elementarismo, una idea admirada también por Matías Goeritz, y que utilizaron para juntos adjetivar a la Arquitectura Emocional, casi a modo de una acción sacramentária.
Este es el Barragán que más emociona, aquel que contempla el espacio y teje una pausa en el tiempo bajo cualidades intrínsecas. Y para ello basta con incluir a la muestra de su arquitectura el proyecto Casa Caballero en Gómez Palacio, Durango. Una obra que se concibió excepcionalmente como una composición que adopta sin atisbo de duda, el génesis conceptual de la conclusión de la vida de Luis Barragán.
El proyecto arquitectónico creado en el año de 1984 y resguardado por la © Barragan Foundation, da certidumbre de que ésta, la última obra proyectada y supervisada por el despacho Barragán + Ferrera, devela los privilegios de una arquitectura que parece estar cualitativamente tanto en el mundo físico, así como en la temporalidad de un mundo que susurra el espíritu de las cosas.
En la Casa Caballero los patios y los jardines se contienen por muros que parecen tocar el cielo y se forman entre un vaivén de escalas y texturas de carácter plástico. Las escaleras que suben y bajan en un mismo tiempo, así como las aperturas e incisiones en las faces que enmarcan uno y todos los horizontes, nos presentan una arquitectura que promueve el deseo de estar con ella, de perderse en ella. Una arquitectura que abre paso a la luz diurna para desperezar el carácter rígido de ésta tectónica. Una obra que permite celosamente deambular entre las penumbras interiores de sus corredores y que protege como un velo de refugio, cada una de las escasas memorias de vida que en ella se han cobijado. Un espacio que se torna sereno con cierta actitud oscilante entre la tragedia y la pasión por una dimensión trascendente y única.
Christian Saucedo
En.
The architectural project made in 1984 and sheltered by the © Barragan Foundation, gives certainty that this, the last work supervised by the Barragán + Ferrera, it show the privileges of an architecture that seems to be qualitatively in the world physical, as well as in the temporality of a world that whispers the spirit of things.
In the Caballero´s House, the courtyards and gardens are contained by walls that look like they touch the sky and are formed through confused scale textures of a plastic shape. The stairs that go up and down at the same time, as well as the openings and incisions in the faces that frame one and all horizons, show us an architecture that promotes the desire to be with it, to get lost in it. An architecture that makes paths for daylight to loosen the rigid character of this tectonics. An architecture that jealousy allows you to wander among the inner shadows of its corridors and that protects, through a veil of refuge, each of the few memories of life that have been sheltered in it. A space that becomes serene with a certain attitude oscillating between tragedy and passion for a transcendent and unique dimension.
Christian Saucedo
Registro fotográfico – Aldo Nevárez
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2022
Línea telefónica . Guillermo Martínez Rochin | del 28 de octubre al al 10 de noviembre de 2022
Es.
¿Cuántas palabras caben en un cable? ¿Cuántas son verdad?
El sonido se transforma en energía eléctrica, se transporta por los cables y se vuelve a transformar en sonido; básicamente así es como funciona una línea telefónica. Pero no vamos a hablar de eso.
Cuando nos comunicamos, intercambiamos palabras a través de nuestra voz y a la vez añadimos acentos con nuestros gestos y expresiones corporales. Comunicarse es un acto complejo donde se combinan el sonido y el movimiento. Sin embargo, al hablar por teléfono, el único elemento que utilizamos es la voz. Esta viaja, se desplaza, atraviesa la distancia y construye las oraciones que brotan de nuestra mente. Una llamada es el intercambio de voz que solo es voz: sin manos, sin rostro, sin color y por lo tanto, la posibilidad de ocultar la verdad, de relatar miles de cosas que no son ciertas sin la necesidad de cuidar nuestros gestos.
Al respecto el autor nos comparte: “Ya hace muchos años que hablar por teléfono dejó de causarme miedo, podría decir que hasta me gusta y lo disfruto, pero regresando a mi pasado, tengo recuerdos raros donde odiaba estar cerca del teléfono cuando sonaba y lo que más miedo me daba era tener que mentir sin importar que fuera algo tan simple como que la persona que buscaban no se encontraba en casa. Hoy puedo mentir una y otra vez al teléfono como si fuera algo normal y hasta la sonrisa tengo cuando digo algo terriblemente triste que sé que no es real y bueno, ¿qué les puedo decir? así me enseñaron cuando era niño. No me juzguen, sé que alguna vez también lo hicieron.”
Casi nunca nos detenemos a pensar cuán ridículos podemos ser cuando estamos desesperados. Los momentos de angustia o frustración nos dominan y nos convertimos en sus marionetas. De esa forma no reparamos en cómo nos comportamos, así que es muy probable que Línea Telefónica nos transmita esa sensación de absurdo y nos ayude a confrontar nuestras memorias irracionales de humanos al borde de la desesperación.
Ahora bien, ¿cuántas palabras caben en un cable? ¿Cuántas de ellas son verdad?
¿Cabe la verdad en una llamada? No lo sabemos. Jamás dudamos de lo que decimos, incluso cuando sabemos que es mentira. Las personas somos expertas en engañarnos. Las mentiras parecen surgir de algún lugar oculto en la mente y salen poco a poco, como salen las lágrimas y forman una laguna invisible. Las mentiras crean un planeta invisible. Un planeta paralelo en el que somos lo que pensamos de nosotros mismos.
Isis Castillo
En.
How many words fit on a wire? How many of these are true?
The sound become into electrical energy, after that it is transported through the cables and transformed again into sound; basically that’s how a phone line works. But we’re not going to talk about that.
When we communicate, we exchange words through our voice and at the same time we add accents with our gestures and body expressions. Communicating is a complex act where sound and movement are combined. However, when talking on the phone, the only element we use is our voice. It travels, moves, crosses a distance and builds some sentences that spring from our minds. A call is the exchange of voice that is only one voice: without hands, without a face, without color and therefore, the possibility of hiding the truth, of recounting thousands of things that are not true without the need to take care of our gestures.
Does the truth fit in a call? We do not know. We never doubt what we say, even when we know it’s a lie. People sometimes are experts at deceiving ourselves. Lies seem to come from some hidden place in the mind and come out little by little, like tears come out and form an invisible pool. Lies are capables to create an invisible planet. A parallel planet where we are what we think of ourselves.
Isis Castillo
Registro fotográfico – Aldo Nevárez
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Alternativas Arquitectónicas . S-AR | del 7 al 22 de octubre de 2022
Es.
Una serie infográfica formada por ocho intervenciones desarrolladas entre los años de 2015 y 2022 del estudio S-AR dirigido por los arquitectos César Guerrero y Ana Cecilia Garza, forma la exhibición Alternativas Arquitectónicas, una muestra visual que da cuenta de las distintas estructuras expuestas y construidas a modo de pabellones inmersos en la tensión y gravedad de espacios naturales y entornos específicos.
De manera particular el diálogo que cada una de estas obras genera a través de sus cualidades constructivas, materiales y temporales, es una reflexión a la codependencia conceptual de la forma expuesta en la orografía del espacio, ante la materia, el viento, las corrientes acuosas, las sombras y las tildes de un brillo solar que les envuelve.
En.
An infographic series made up of eight interventions built between 2015 and 2022 by the S-AR studio leadered by the architects César Guerrero and Ana Cecilia Garza, shape the exhibition Architectural Alternatives, a visual display of various architectural structures as a temporary pavilions linked in the tension and gravity from natural spaces and environments on which they were created.
In a particular way each one of these works invite us to understand, through its constructive system, material and temporal qualities, do a reflection of the conceptual co-dependence form when this is exposed on the orography of space, the matter, the wind, the water currents, the shadows and hints of a solar brilliance that surrounds them.
Registro fotográfico – Aldo Nevárez
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EL ENTORNO CONSTRUIDO . Archivo Luis Barragán del Centro de Documentación OONO | del 10 al 31 de marzo de 2022
Es.
En homenaje al arquitecto mexicano Luis Barragán (1902-2022) Premio Pritzker de Arquitectura 1980, el Centro de Documentación de Observatorio Norte | OONO hizo público su archivo bibliográfico “LUIS BARRAGÁN” a través del cual se constata el estudio y crítica de la sublime vida y obra de imaginación poética que perdura indiscutiblemente en cada uno de sus manifiestos, lingüísticamente modernos y sintetizados, pero ambivalentes con la arquitectura tradicional mexicana.
Enlace al archivo: https://oono.mx/archivo-luis-barragan/
Registro fotográfico – Aldo Nevárez
2021
MANIFIESTO HÁPTICO . Christian Saucedo | del 17 al 31 de diciembre de 2021
Es.
Esta instalación formada por decenas de tallas de maderas, invita a cuestionarse cómo el excesivo desarrollo de lo visual, que atiende hoy cada espacio que vivimos – a través de la hiperacumulación y difusión de imágenes –, minimiza cada vez más nuestras las cualidades sensuales y sensoriales de nuestro cuerpo así como la conciencia, memoria y la comprensión humanas del espacio y la materia. Es evidente que estas condiciones virtuales relacionadas a un mundo de excesivo consumo de imágenes, estimula la comprensión del concepto espacio – temporal como un ejercicio se suprime la mayor cantidad de nuestros sentidos sensoriales, para dar privilegio solo a la vista.
Particularmente esta experiencia existencial, que envuelve a la espacialidad y que escucha, toca, huele y prueba a través de los ojos, motiva el abandono de la esencia corpórea de la percepción humana y suprime al resto de los sentidos de ser inducidos a una compleja lectura de espacio y tiempo, vinculada a la experiencia de nosotros mismos como seres corporales.
En.
This installation, made up of dozens of wood carvings, invite us to ask how the excessive development of the visual, that attends today every space we live in – through a hyperaccumulation of images –, increasingly minimizes the sensual and sensory qualities from our body as well as the human consciousness, memory, and understanding of space and matter. It is evident these virtual conditions related to a world of excessive consumption of images, causes that our understanding space-time concept is stimulated as an exercise that suppressed most of our sensory senses to give privilege only to sight.
This existential experience, that surrounds spatiality and that listens, touches, smells and tastes through the eyes, motivates the abandonment of the corporeal essence of human perception and suppresses the rest of the senses from being induced to a complex reading of space. and time, linked to the experience of ourselves as corporeal beings.
Registro fotográfico – Aldo Nevárez
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FRAGMENTOS . Luis Leonardo Ortega | del 26 de noviembre al 9 de diciembre de 2021
Es.
La exhibición Fragmentos, del pintor mexicano Luis Leonardo Ortega, es la cúspide de un discurso visual en donde convergen y se relacionan conceptos que representan y encarnan las tildes de la desesperanza y soledad de un pueblo, promoviendo con ello una sensata crítica al sentido de la muerte en México en el contexto actual.
Mediante este acto Ortega genera una reflexión constante sobre el lugar y la memoria que es, sin duda alguna, el albedrío de arraigo e identidad personal traducido luego a vagos gestos formales. Parecería entonces que los mismos rostros, movimientos, pausas e incertidumbres, colman cada uno de los rincones del lienzo que se crea en torno a su obra.
En.
The exhibition Fragmentos, by the Mexican painter Luis Leonardo Ortega, is the pinnacle of a visual discourse in which concepts that represent and embody the accents of hopelessness and loneliness of a people converge and relate, thereby promoting a sensible critique of the sense of death in Mexico in the current context.
Through this act, Ortega generates a constant reflection on the place and the memory that is, without a doubt, the free will of roots and personal identity later translated into vague formal gestures. It would seem then that the same faces, movements, pauses and uncertainties fill each of the corners of the canvas that is created around his work.
Registro fotográfico – Aldo Nevárez
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SERIS . Graciela Iturbide | del 4 al 18 de noviembre de 2021
Es.
Seris, de la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide, es una exposición que tuvo como intención curatorial ir de la mano y en complicidad con su autora, para exponer una selección de imágenes que develan y subrayan de forma enfática, la memoria de un pueblo de pescadores nómadas, habitantes del noroeste de México, que cobijados y en en comunión con el tiempo y el desierto se vuelven el reflejo de sus paisajes.
Estas composiciones hipnóticas, paradójicamente no representan un registro de imágenes estrictamente etnográficas o antropológicas, sino que son el resultado de una intuitiva y compleja poesía visual escrita en luz. “Saguaro”, “Angelita” y “Mujer ángel”, son sin lugar a dudas algunos de los mayores regalos que este árido paisaje concedió al itinerario y agudizada sensibilidad de Iturbide para ser preservados de forma elucubre como el andar de la memoria y la obsesión del tiempo.
Angelita
Un envase de la memoria en el que cabe el recuerdo solar de unas facciones rotundas; un gesto infinito de abnegación y arena invisible que se escurre y que va de una mano a otra, como pacientes cascadas de tiempo. — Shamir Nazer
Mujer ángel
Como si en su patria no hubiera montañas, praderas, flores, ni siquiera un arroyo al fondo del atardecer, sonando en el valle lejano; se puede volar sobre el abismo sin abismarse; en alguna orilla de la memoria –quizás esta– alguien espera. — Shamir Nazer
Sahuaro
Mis pensamientos me circundan como pájaros persistentes, me sobrevuelan con parsimonia y a veces me tocan; reposan sobre mí y permanecen como un resumen del azar del tiempo en claroscuro; el minuto siguiente, tal vez, se elevan sin más, sin aviso previo; soy todo lo que mis ojos han visto; soy todos los pájaros que me circundan. — Shamir Nazer
En.
Seris, by the Mexican photographer Graciela Iturbide, is an exhibition whose curatorial intention was to go hand in hand and in complicity with its author, to exhibit a selection of images that emphatically reveal and underline the memory of a nomadic fishing village, inhabitants of northwestern Mexico, who, sheltered and in communion with time and the desert, become the reflection of their landscapes.
These hypnotic compositions, paradoxically, do not represent a register of strictly ethnographic or anthropological images, but rather are the result of an intuitive and complex visual poetry written in light. “Saguaro”, “Angelita” and “Mujer ángel” are, without a doubt, some of the greatest gifts that this arid landscape granted to Iturbide’s itinerary and heightened sensibility to be preserved in a lucubrate way as the path of memory and weather obsession.
Registro fotográfico – Aldo Nevárez
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An ocasional dream . Caoimhe Kilfeather | del 15 al 28 de octubre de 2021
Es.
Para esta exhibición, Caoimhe Kilfeather presenta tres obras que reflejan las nociones de distancia, espacio y memoria. Su título está tomado de la canción de David Bowie que lleva el mismo nombre, y cuya letra medita sobre un recuerdo evocado una y otra vez.
La participación de Kilfeather en Observatorio Norte fue originalmente planeada para el verano de 2020, sin embargo esta fue pospuesta debido a la emergencia sanitaria desatada durante ese mismo año. A lo largo de este período, la artista ha explorado, de manera imperante, formas de trabajar y expresarse que no resulten automáticamente en obras de arte producidas y experimentadas por medios digitales, sino que reafirmen la importancia de la experiencia material y háptica.
En este manifiesto de trabajo, Kilfeather expone distintas capas de seda azul que cuelgan afuera de la ventana de la galería, denodadas a proporcionar una experiencia táctil y visual a espectadores potenciales. Su presencia y ligereza atraen y refuerzan este umbral, a la vez que generan la oportunidad de mirar más allá. Al interior se encuentran dos elementos más: el primero, una columna suspendida de varas de madera ‘outline’, y detrás, una fotografía en blanco y negro ‘this brief music, I’ que muestra la vista de un cielo despejado y una mano levantada para bloquear el sol. Ambas piezas pertenecen en gran medida al mundo exterior; la experiencia de estar al aire libre en la naturaleza y expuesto a los elementos de la misma.
‘outline’ es la recreación de una obra realizada por la artista a partir de fragmentos de madera recolectados en las costas irlandesas del Atlántico. El equipo curatorial de Observatorio Norte se dio a la tarea de encontrar elementos semejantes en las faldas de la presa del pueblo Bayacora, traídos por las corrientes de agua que se originan desde los bosques de la Sierra Madre Occidental. Esta adaptación explora las condiciones locales en Durango, expresando de manera implícita la interacción y el diálogo entre ambas geografías, así como la intención de llevar a cabo este acto expositivo. Es una prueba del interés por buscar diferentes formas de sobrellevar y adaptarse a circunstancias inéditas.
Sin duda alguna la experiencia provocada por esta pandemia nos ha excluido de transitar los estos espacios compartidos de manera simultánea, volviéndonos íntimamente conscientes de los límites de nuestros entornos privados y domésticos. Este ejercicio es, en parte, una respuesta a estas condiciones.
En.
For this exhibition – an occasional dream – Caoimhe Kilfeather brings together three works which reflect upon notions of distance, place, and memory. The title of the exhibition is taken from a David Bowie song of the same name whose lyrics meditate on a memory recalled time and again.
Kilfeather’s exhibition at Observatorio Norte was originally planned for the summer of 2020 but was postponed. Throughout this period the artist was eager to find ways of working that did not automatically result in artworks being digitally produced or being solely viewed on an online platform but instead would reaffirm the importance of material and haptic experience.
In this manifesto Kilfeather show by Layers of blue silk hang on the exterior of the gallery window. They are resolute in providing a tactile and visual experience on the street outside – drawing potential viewers towards this threshold. The light fabric moves easily and invites the possibility of looking into the room beyond. It both reinforces this threshold and creates an opportunity to look in.
Inside the gallery are two further artworks – the first, a suspended column of wooden sticks (‘outline’), and beyond this a black and white photograph (‘this brief music, i’) which shows a view to a clear sky with a hand held up to block the sun. Both works are very much of the exterior world; the experience of being outdoors in nature and exposed to the elements.
‘outline’ is a recreation of a piece made by the artist from drift wood gathered along the Atlantic coast of Ireland. The curators of OONO have gathered felled sticks locally from the forests of the Sierra Madre mountains. This adaptation explores the local conditions in Durango and is an implicit extension of the exchange and dialogue between the artist and curators in bringing this exhibition together. It is evidence of the interest in looking at different ways of working, of being open and adapting to unprecedented circumstances
As a result, Kilfeather devised an exhibition that could function solely from the street – that would invite passers-by to look into the gallery. The experience of the pandemic has simultaneously locked us out of shared spaces such as galleries and made us intimately aware of the limits of our private and domestic spaces. This exhibition is, in part, a response to these conditions.
Registro fotográfico – Aldo Nevárez
Enlace al video documental . an occasional dream
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ARRAIGO A LA TIERRA . CHAN Taller colectivo | del 1 al 12 de octubre de 2021
Es.
Arraigo a la tierra es un ejercicio curatorial que no solo expone los resultados de una serie de procesos experimentales con un material arcilloso y en combinación con técnicas de alfarería, sino que promueve en su composición, la devoción de un oficio a través de la memoria que se adjudica a un material, que en todas sus formas y momentos, nos remite a pensar en el fuerte arraigo que tenemos a la tierra y a una identidad cargada de una naturalidad extraordinaria.
Cada uno de los objetos abstractos expuestos, responden sin duda a las leyes de la geometría pero también se aferran a infinitas formas orgánicas que reniegan de lo cartesiano para delatar la importancia de reflexionar y teorizar sobre nuestra experiencia directa con la forma. Tal vez a través del sentido del tacto y en comunión con la visión periférica (una visión no enfocada pero prioritaria en nuestro encuentro con lo que nos rodea y observamos) cada pieza que dialoga en esta exhibición reafirma en su composición material, espacial y temporal, con la forma de un paisaje en movimiento que nos recuerda que: somos capaces de percibir el mundo, construido o natural a través de nuestro cuerpo, en un concierto de todos nuestros sentidos y que nuestra percepción se sustenta en el gesto de una memoria a través de un complejo proceso del que no siempre se es consciente.
En.
Arraigo a la tierra is a curatorial exercise that not only exposes the results of a series of experimental processes with a clay material and in combination with pottery techniques, but also promotes in its composition, the devotion of a trade through the memory that It is awarded to a material, which in all its forms and moments, reminds us of the strong roots we have in the land and in an identity charged with an extraordinary naturalness.
Each of the abstract objects on display undoubtedly respond to the laws of geometry, but they also cling to infinite organic forms that renege of the cartesian to reveal the importance of reflecting and theorizing about our direct experience with form. Perhaps through the sense of touch and in communion with the peripheral vision (a vision not focused but a priority in our encounter with what surrounds us and what we observe) each piece that dialogues in this exhibition reaffirms its material, spatial and temporal composition, in the form of a moving landscape that reminds us that: we are capable of perceiving the world, built or natural through our body, in a concert of all our senses and that our perception is sustained by the gesture of a memory through of a complex process of which one is not always aware.
Registro fotográfico – Aldo Nevárez
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2019
BioSoNot . Gilberto Esparza | del 15 de noviembre de 2019 al 11 de enero de 2020
Es.
BioSoNot es una serie de configuraciones de artefactos sensibles que interpretan un conjunto de datos para luego convertirlos en frecuencias audibles. La información obtenida por estos artefactos, alimentados con aguas contaminadas, se traduce en una actividad biológica de microorganismos que expresan en sonidos los distintos niveles de contaminación presentes en los ríos.
La información biológica involucrada al proyecto BioSoNot se obtiene mediante módulos de celdas de combustible microbianas que generan energía a partir del metabolismo de microorganismos como la Geobacter, una proteobacteria común presente en residuos orgánicos en descomposición. Estas celdas que funcionan como Biosensores, captan los electrones que luego se emiten como señales producidas por los procesos metabólicos de las bacterias presentes en distintas muestras de agua, en este caso, evidencias provenientes del caudal del río El Tunal en Durango.
A partir del movimiento de los microorganismos, se generan señales que son expuestas a un microscopio con una cámara que transmite la imagen a un monitor para luego ser interpretada a través de una retícula de sensores de luz que envía señales análogas a un sistema electrónico, con el propósito de generar variaciones en el sonido con la ayuda de hidrófonos distribuidos en distintos puntos de la instalación. Con el uso de osciladores, estas señales son procesadas y traducidas para crear un micropaisaje sonoro.
En.
BioSoNot is a set of sensitive electronic artifact configurations that interpret data and convert it into audible frequencies. The information obtained by these artifacts, which are fed with contaminated water, translates into microorganisms’ biological activity that expresses the different levels of pollution present in rivers through sounds.
The biological information used in the BioSoNot project is obtained from microbial fuel cell modules that produce energy from the metabolism of microorganisms such as the Geobatcer, a common proteobacterium present in decomposing organic waste. These cells that function as Biosensors, capture the electrons produced by the bacteria’s metabolic processes present in different water samples and are thereafter emitted as signals. In this case, evidence from the El Tunal flow in Durango, was analyzed.
The signals generated from the microorganisms’ movements are exposed to a microscope with a camera that transmits the image to a monitor so it can be interpreted through a grid of light sensors which then sends analog signals to an electronic system. The purpose of this is to generate variations in the sound with the help of hydrophones distributed in different points of the installation. With the use of oscillators, these signals are processed and translated to create a sonorous microlandscape.
Registro fotográfico – Aldo Nevárez
Enlace al video documental . BioSoNot
Enlace web del proyecto . BioSoNot
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SAVOY . Alvar Aalto | del 20 de septiembre al 29 de octubre de 2019
Es.
En 1936 la compañía de cristalería Karhula-Iittala organizó un concurso para encontrar nuevos diseños de utensilios domésticos rumbo a la Exposición Mundial de París, que tendría lugar el año siguiente. Este certamen, que buscaba resaltar la imagen de Finlandia ante los ojos del resto del mundo, galardonó a Alvar Aalto por su obra titulada “Pantalones de cuero de mujer esquimal” (Eskimåkvinnans skinnbyxa), la cual incluía una serie de bocetos de jarrones artísticamente ejecutados, los cuales proveerían las bases de una nueva idea de producción a través de diversos procesos de investigación y experimentación.
Para entonces el arquitecto finlandés, quien conocía de antemano algunos de los aspectos del cristal como materia prima, sobre todo el proceso de fabricación del vidrio soplado, visualizó una serie de objetos que proyectaban gentiles curvas y formas asimétricas en donde su manufactura diferiría de los trabajos y artesanías hasta entonces conocidas. Con esta propuesta se creaban verdaderas obras de arte que a su vez tenían una función. Eventualmente este proyecto se convertiría en una idea que daría lugar a la creación de más de una docena de jarrones y platos inspirados en las diversas tonalidades del color del cristal: natural (‘clear’) café (‘rio brown’), azul (‘azure blue’), verde (‘sea green’) y gris (‘smoke’). Uno de estos diseños alcanzaría aún mayor fama: el jarrón Savoy, que posteriormente fue producido para el restaurante del mismo nombre en Helsinki. Las formas orgánicas y fluidas de este objeto lo hacen ser hasta el día de hoy un ícono por excelencia del diseño escandinavo.
En.
In 1936, the Karhula-Iittala glassworks company organised a competition to find new models of household products made of glass for the Paris World Exposition, that was to be held the following year. The competition, that intended to brighten up the image of Finland in the eyes of the world, awarded Alvar Aalto with the first prize for his entry entitled ‘Eskimo woman’s leather breeches’(Eskimåkvinnans skinnbyxa), which included sketches for five vases, artistically executed, providing the basis for its production through a process of search and experimentation.
The finnish architect, who already knew something about the use of glass as a material, presumably aware of the glassblower’s contribution to the process, visualized then a series of gently curved asymmetric glass objects that differed from traditional glassware in an entirely new way. He had managed to successfully create true works of art that also had a function. Eventually, ‘Eskimo woman’s leather breeches’ would become an idea that lead to the creation of more than a dozen vases and dishes inspired by the diverse shades of crystal colors: natural (‘clear’), brown (‘rio brown’), blue (‘azure blue’), green (‘sea green’) and grey (‘smoke’). One of the models in this series achieved even greater fame: the Savoy Vase, subsequently developed by Aalto for the Savoy restaurant in Helsinki. With its flowing organic forms, this piece is regarded today as a quintessential example of Scandinavian design.
Registro fotográfico – Christian Saucedo
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ENTELEQUIA . Mabel Favela | del 27 de julio al 24 de agosto de 2019
Es.
La exhibición Entelequia es una exposición de la fotógrafa Mabel Favela en la cual se presentan una serie de obras que invitan a la exploración y experimentación visual de una etérea y enigmática curvilínea que divide la psique del cuerpo humano.
Al ver el trabajo de Mabel, el espectador encontrará en éste, una impresión de insinuantes aberturas paralelas sobre un escenario lumínico e impoluto, definido por mágicas composiciones acuosas que parecen sugerir involuntarios paisajes corpóreos. Esta capa de conciencia humana, reveladora y verdadera, traspasa la piel de su propia figura orgánica con fuerza y precisión. Con ello, la piel que cubre éste cuerpo, a su vez, con cierta resistencia, se transforma en un velo traslúcido y ceremonioso cuyo erotismo innato y universal se desprende, emerge y respira involuntariamente. Sus movimientos de inhalación y exhalación dibujan únicas luces y sombras, texturas y figuras de memoria. Nace así, una metamorfosis individual. Panorámicas directrices son capturadas en secretas siluetas y representadas por el contraste de luces y sombras sumergidas en abstracciones vaporosas e incorporales, seguidas por una escena parcialmente completa, carnal y de una existencia ambivalente.
El lirismo de las imágenes creadas por Mabel Favela aluden a una fenomenología personal e íntima de sexo anfibológico, donde el auto-descubrimiento deviene de una sucesión de procesos imperfectos psíquicos y físicos, que gracias a su naturaleza cíclica logran personarse.
En.
The exhibition Entelequia displays a photographic series by the Mexican photographer Mabel Favela (Durango, Dgo. Mexico 1993), which invites us to visually explore and experiment with an ethereal and enigmatic line dividing the psyche from the human body.
Upon seeing the artist’s work, the audience will find in it an impression of insinuating parallel openings above an unpolluted and luminous scene, defined by magical watery compositions that seem to suggest involuntary corporeal landscapes. This layer of human conscience, revealing and truthful, passes through the skin of its own organic figure with strength and accuracy. With it, the skin that covers this body, even with certain resistance, is transformed in a ceremonious translucent veil whose innate and universal eroticism detaches, emerges and breathes unwittingly. Its inhalation and exhalation movements draw unique lights and shadows, textures and figures from memories. An individual metamorphosis is born. Panoramic lines get captured in secret silhouettes and represented by the contrast of lights and shadows submerged in vaporous and incorporeal abstractions, followed by a partially completed, carnal scene of an ambivalent existence.
The lyricism of the images created by Mabel Favela allude to a personal and intimate phenomenology of amphibological sex, where self-discovery comes from a succession of imperfect psychic and physical processes that due to their cyclical nature, succeed in materializing.
Registro fotográfico – Aldo Nevárez
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2018
IMPLANTE . Marcela Armas | del 23 de noviembre de 2018 al 5 de enero de 2019
Es.
Implante, es un proyecto de intervención geológica localizado en Denver y Ciudad de México en el marco de la Bienal de las Américas en 2015. A través de un intercambio de tierra entre México y Estados Unidos, la obra es una alegoría basada en el lenguaje de la ciencia geológica para explorar asuntos como, el sentido de pertenencia e identidad vinculado a la tierra de origen, las relaciones migratorias y transculturales, la utilidad y la explotación de la tierra.
Implante consistió en la realización de dos perforaciones de 30 metros de profundidad en parques públicos de Denver y Ciudad de México. Un proceso de trabajo configurado por métodos y conocimientos, negociaciones con residentes, gobiernos locales y agentes aduanales, con la finalidad de abrir un espacio de pensamiento sobre la relación con la tierra de dos países vinculados históricamente. Después de realizar la extracción de la tierra, su descripción geológica, los trámites para la exportación e importación de suelo entre ambos países, el proyecto concluye con el Implante en Denver y Ciudad de México simultáneamente. La tierra de México viajó 2322 km para ser implantada en el pozo vacío en Commons Park en Denver. En reciprocidad, la tierra de Denver fue implantada en el Bosque de Chapultepec en la Ciudad de México.
En.
Implant, is a geological intervention project located in Denver and Mexico City within the framework of the Biennial of the Americas in 2015. Through an exchange of land between Mexico and the United States, the work is an allegory based on the language of geological science, to explore issues such as, the sense of belonging and identity linked to the land of origin, migratory and transcultural relations, and the utility and exploitation of the land.
Implant was based on the drilling of two 100-feet-deep well in public parks in Denver and Mexico City. A work process set of methods and knowledge, negotiations with residents, local governments and customs agents was carried out in order to open a space for thinking about the relationship with land from the two historically linked countries. After extracting the earth, obtaining its geological description, and carring out the soil import and export procedures between the two countries, the project concludes with the simultaneous implantation of earth in Denver and Mexico City. The land from Mexico traveled 1442 miles to be implanted in the empty drill well at Commons Park in Denver. Conversely, the land from Denver was implanted in Chapultepec Park in Mexico City.
Registro fotográfico – Christian Saucedo
Enlace web del proyecto . IMPLANTE
Observatorio Norte | OONO 